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Especial Fernanda Montenegro 90 anos

Em comemoração aos 90 anos de uma das maiores atrizes brasileiras de todos os tempos, o Beco traz um especial sobre Fernanda Montenegro. Nascida em 16 de outubro de 1929, Arlette Pinheiro Esteves Torres completa 90 anos nesta semana e carrega uma carreira admirável. Fernanda Montenegro iniciou sua carreira no teatro em 1950, sendo a primeira atriz contratada pela TV Tupi em 1951. Foi protagonista na primeira novela da emissora, A Muralha, e estrelou inúmeras peças no teleteatro da TV Tupi em São Paulo, que eram apresentadas no Grande Teatro Tupi.

Fernanda Montenegro trabalhou na TV Tupi, Record, Bandeirantes e na extinta TV Excelsior, chegando à Rede Globo em 1965 para uma série de teleteatros, porém sua consolidação na emissora foi ocorrer somente em 1981 na novela Baila Comigo, de Manoel Carlos. Sua estreia em cinema se deu na produção de 1964 para a tragédia de Nelson Rodrigues, A Falecida, sob direção de Leon Hirszman.

Em 1999, por sua atuação no filme Central do Brasil, de Walter Salles, Fernanda Montenegro foi a primeira artista brasileira a ser indicada para o Oscar de melhor atriz. Um ano antes, ainda por sua atuação nesse filme, recebeu o Urso de Prata do Festival de Berlim. Foi convidada para ocupar o Ministério da Cultura no governo dos presidentes José Sarney e Itamar Franco, porém, apesar do grande apoio da classe artística e intelectual, recusou ambas as ofertas. Em 1985, ao recusar o convite de Sarney, afirmou em carta ao então representante do governo que não estava preparada para abandonar a carreira artística, não por medo ao desafio que lhe era oferecido, mas sim, por entender que seria muito melhor no palco do que no Ministério.

Recebeu em 1999, do então presidente Fernando Henrique Cardoso, a Ordem Nacional do Mérito Grã-Cruz “pelo reconhecimento ao destacado trabalho nas artes cênicas brasileiras”. Na época, uma exposição realizada no Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio de Janeiro comemorou os 50 anos de carreira da atriz. Em 2004, Fernanda Montenegro foi escolhida como melhor atriz da terceira edição do Festival de TriBeCa. Ela foi premiada por sua atuação em O Outro Lado da Rua, único filme da América Latina a participar da competição de longas de ficção. Em 2009, recebeu a Ordem do Ipiranga, no grau de cavaleiro, do Governo do Estado de São Paulo, e, em 2012, o Emmy internacional de melhor atriz por sua personagem no especial de Natal Doce de Mãe.

Na televisão, Fernanda Montenegro coleciona 52 trabalhos, entre teleteatros, novelas e minisséries, sendo que, nos teleteatros, contam-se dois programas, Retrospectiva do Teatro Universal e Retrospectiva do Teatro Brasileiro, porém são inúmeras peças e inúmeros personagens. Já no cinema, temos os impressionantes 42 filmes. Fernanda Montenegro também coleciona os invejáveis 35 prêmios nacionais e internacionais de melhor atriz no cinema, 18 prêmios por seus trabalhos na televisão e 28 no teatro. Já de comendas temos nove, inclusive uma da França e uma de Portugal. Pisa menos, Fernanda!

Não dá para negar que Fernanda Montenegro é mesmo a primeira dama do teatro, televisão e cinema brasileiro, e o Beco deseja um feliz aniversário para essa rainha da dramaturgia. Rumo aos próximos 90!

 

13/10/19 por
Angry Birds 2
Críticas de Cinema, Filmes

Crítica de Cinema: Angry Birds 2 – O Filme (2019)

Angry Birds 2 – O Filme estreia no próximo dia 03 e nós do Beco Literário assistimos ao filme a convite da própria Sony Pictures, só para contar pra vocês o que achamos em primeira mão.

Sinopse: Os raivosos pássaros que não voam e os engenhosos porquinhos verdes levam sua briga para o próximo nível em Angry Birds 2 – O Filme! Quando surge uma nova ameaça que coloca as ilhas dos Pássaros e dos Porcos em perigo, Red, Chuck, Bomba e Mega Águia recrutam a irmã de Chuck, Silver, e se unem aos porcos Leonard, sua assistente Courtney e o técnico Garry para juntos estabelecerem uma trégua instável para formar uma improvável superliga que irá salvar suas casas.

CONTÉM SPOILERS A PARTIR DESTE PONTO

O filme começa recordando o enredo principal do filme anterior, que era a guerra entre a Ilha dos Pássaros e a Ilha dos Porcos, com muita animação e diversão. Até que, de repente, a Ilha dos Porcos é atingida por um objeto misterioso até então. Com isso, o líder Leonard pede uma trégua para a Ilha dos Pássaros, ação que deixa Red desolado, porque seu maior passatempo era proteger a sua ilha e, com a trégua determinada, isso não vai mais acontecer por enquanto.

Trégua decretada, os amigos Red, Chuck e Bomba saem para se divertir, até que Red conhece uma garota pela qual não se dá bem de imediato. Ele sai um pouco triste, até que Leonard o procura para que combatam os ataques da Ilha das Águias, que havia sido descoberta pelos drones das Ilhas dos Pássaros.

Juntos, precisam arquitetar um bom plano a fim de chegar na tal ilha misteriosa e para isso, o grupo precisa encontrar alguém realmente bom. Chuck pensa em sua irmã Silver, engenheira e vão ao seu encontro. Quando ele acontece, plau! É a garota que Red havia conhecido e não se dado bem de primeira. A história deles começa nesse ponto, em que ele começa a se gabar por ser o líder do planejamento, mas não tem ideias muito boas durante o plano em si.

Quando chegam a Ilha das Águias, Red e Silver vão para um lado, e o restante da turma, fantasiados de outra ave, entram pela porta principal. Rola todo aquele esquema de invasão e todos são pegos lá dentro, no flagra, só que o inesperado acontece: Zeta, a águia que comanda a Ilha das Águias é “ex-peguete” do Mega Águia.

Conforme a trama vai se afunilando para o final, ele aparece na ilha e tenta contornar toda a situação, sem obter sucesso. Zeta continua com seu plano para destruir as duas outras ilhas a fim de se apropriar delas, já que prefere o clima tropical delas ao clima frio de sua ilha. Porém, a ideia de Silver e Red, aliadas com a corda de engenharia de Silver de retardar as bombas funciona e destrói a máquina der bombas de Zeta.

Depois de tudo, Zeta revela ao Mega Águia que tem uma filha com ele, e acabam se casando. A Ilha dos Pássaros ficam eternamente agradecidos a Red pela salvação, mas ele diz que a vitória também deve ser de Silver.

FIM DOS SPOILERS

O filme tem uma pegada bem divertida que vai bem para qualquer idade, principalmente crianças pelas cores, diálogos engraçados e todo o enredo lúdico. Aborda muitos temas cotidianos que valem a pena serem colocados em pauta e é um filme que com certeza deve ser visto em família, superando o primeiro da série, lançado em 2016.

O filme original apresenta um elenco de vozes estrelares que também inclui Leslie Jones, Eugenio Derbez, Pete Davidson, Zach Woods, Dove Cameron, Lil Rel Howery, Tony Hale, Beck Bennett, Nicki Minaj, Brooklynn Prince e JoJo Siwa. No Brasil, Marcelo Adnet empresta sua voz para Red, Fábio Porchat dubla Chuck e Dani Calabresa dubla Matilda. Além deles, o filme também conta com participações especiais de influenciadores na dublagem: Thomaz Costa é Bubba, Mileninha é Lola, Luluca é Beatrice e Authentic Games é o Authêntico.

Uma apresentação da Sony Pictures Animation em associação com Rovio Entertainment, dirigido por Thurop Van Orman e produzido por John Cohen. O roteiro é de Peter Ackerman e Eyal Podell & Jonathon E. Stewart.

Angry Birds 2, assim como em seu precursor, é baseado na franquia de grande sucesso para Android e iOS de mesmo nome, que foi por diversos anos um dos jogos mais baixados e sempre em relevância. Na Play Store, por exemplo, com aplicativos de redes sociais, jogos de franquias famosas, de saúde, de apostas esportivas (agora que tais apostas estão legalizadas no país), Andry Birds sempre manteve grande relevância e ainda mantém. Angry Birds 2, jogo relativamente recente da franquia, detém a faixa de mais de 100 milhões de downloads.

25/09/19 por
09- Donas da Rua - Emma Watson
Atualizações, Filmes, Livros

Emma Watson é homenageada pela Turma da Mônica

Quando se fala o nome Emma Watson, a primeira imagem que vem à mente da maioria das pessoas e dos fãs é a Hermione Granger, personagem icônica do filme Harry Potter, série de filmes britânico-americana baseada na série de livros homônima da escritora J.K. Rowling. O longa levou à atriz ao estrelato desde criança.

Nascida em Paris, mas criada na Inglaterra, a atriz, recentemente graduada em Literatura Inglesa pela Universidade Brown, é famosa não apenas pela sua carreira artística. Nomeada embaixadora da Boa Vontade da ONU Mulheres, entidade das Nações Unidas para a Igualdade de Gênero e o Empoderamento das Mulheres, desde 2014 vem se dedicando a engajar meninos e meninas, mulheres e homens na remoção das barreiras sociais e culturais que impedem as mulheres de atingir seu potencial, e ajudar homens e mulheres a modelarem juntos uma nova sociedade. A atriz é uma das protagonistas da iniciativa ElesPorElas (HeforShe), movimento criado pela ONU Mulheres.

09- Donas da Rua - Emma Watson

Levando em conta esse comprometimento, o projeto Donas da Rua escolheu a atriz para comemorar o quinto aniversário do movimento ElesPorElas (HeforShe). A dona da rua em pessoa, Mônica, foi a personagem escolhida para a homenagem.

O Donas da Rua foi criado em março de 2016 e tem o apoio da ONU Mulheres. Nesta parceria, a MSP tornou-se signatária dos Princípios de Empoderamento da ONU Mulheres. Uma de suas áreas, o Donas da Rua da Ciência, tem como objetivo resgatar a trajetória de pesquisadoras e cientistas que marcaram a humanidade com suas ações.

20/09/19 por
Críticas de Cinema, Filmes

Crítica: Abigail e a cidade proibida (2019)

Abigail e a cidade proibida é um filme russo que chegou aos cinemas nesta quinta-feira (12) e surpreende em vários aspectos. Primeiro, é um filme russo, e, vivendo em um mundo dominado pelo cinema hollywoodiano, é surpreendente quando somos expostos a um filme russo. Segundo, ele ressuscita o gênero steampunk tão popular nos anos 80 e 90. Porém, as surpresas não são suficientes para amenizarem os furos no roteiro e a fraqueza da história.

Para quem não conhece, steampunk é o termo usado para uma ficção científica que fala sobre avanços tecnológicos em uma história que se passa mais no passado. Confuso? Deixe-me explicar. Júlio Verne descreve uma máquina parecida com um submarino no início do século 20, assim como também fala sobre uma viagem ao redor do mundo em um balão de ar quente. Submarinos e balões são coisas totalmente comuns para nós, mas não são na época em que a história passa.

Agora, voltando à história da Abigail, temos um mundo onde há pessoas capazes de produzir magia que pode ser canalizada em armas futurísticas que lançam raios. A tal cidade proibida é o local onde eles moram, uma cidade totalmente cercada onde ninguém entra e ninguém sai. O motivo dado à população é que há uma doença mortal que se espalhou pelo mundo e eles só estão vivos por causa da muralha que cerca a cidade.

Ninguém sabe o que há lá fora ou se ainda há algo lá fora, porém, já se passaram tantos anos que ninguém mais pergunta, só aceita. Homens mascarados patrulham as ruas o tempo todo, colocando luzes nos olhos das pessoas para testar se a tal “doença” se manifestou. Aqueles que têm um diagnóstico positivo são levados para fora da cidade.

Dentro desse mundo pós-apocaliptico meio futurista e mágico, temos a nossa mocinha, a Abigail, cuja o pai trabalhava para o governo e foi levado quando ela tinha 8 anos. A história se passa quando ela já está com 18, mas temos vários flashbacks ao longo do filme, onde Abigail se lembra das lições que seu pai a ensinou e segue em uma busca implacável de seu paradeiro.

Abigail e a cidade proibida tinha tudo para dar certo, porém, a fórmula não funcionou tão bem quanto esperado. Apesar do roteiro diferente, essa aposta arrojada no steampunk em contrapartida da ficção científica tradicional que está tão em alta e toda aura de magia e ótimos efeitos especiais, o filme peca na execução em falar muito em tão pouco tempo e forçar um romance entre Abigail e o líder da resistência que se consolidou em menos de dez minutos.

Temos magia, um mundo pós-apocalíptico, uma trama cheia de conspiração, várias intrigas e muitos personagens com histórias mal acabadas no mesmo filme. Levando em conta o público-alvo que eu não julgaria ser mais do que infanto-juvenil, a confusão é muito grande e, ao final do filme, saímos com aquela sensação de que não foi tudo entendido de verdade. Até agora eu não entendi como se consegue trancar uma população inteira dentro de uma cidade por mais de 100 anos sem ninguém desconfiar de nada. Quem era o líder dessa coisa toda? Porque temos um líder na época da Abigail, mas é impossível que seja o mesmo desde o início. Ou ele tem o poder da imortalidade? Isso não é explicado na história.

Como todo o restante do filme, o clímax é rápido e confuso demais, com mais enfoque nas lutas e efeitos especiais do que em amarrar as pontas soltas. O tal shipp dos mocinhos não tem química nenhuma, e ninguém parece se importar muito com os mortos durante o processo. Talvez, se eles tivessem diminuído um pouco a quantidade de informações e investido mais em solidificar o roteiro, dando realmente um princípio, meio e fim para tudo, Abigail e a cidade proibida teria tudo para ser um sucesso. Infelizmente, não é esse o caso.

13/09/19 por
Elite
Filmes, Reviews de Séries

Review: Elite (1ª temporada, 2018)

Fui pego por elite pelas roupas. Sim, o uniforme de um suposto colégio-internato que parece do Elite Way School, de Rebelde me deixou com a pulga atrás da orelha, ainda mais sendo uma produção espanhola. Seria meu RBD 2.0 vivo? A chama de fanboy já acendeu lá em cima e eu comecei a assistir a Elite, da Netflix.

Assisti à primeira temporada no ano passado, logo no lançamento e me perguntei hoje porque nunca escrevi sobre, sendo uma das minhas séries preferidas hoje em dia. E eu sou ruim de assistir série, fico impaciente, durmo e nunca chego até o final. Mas ontem fui rever a primeira temporada, antes de ver a segunda, e entendi muitas coisas além disso.

CUIDADO COM SPOILERS DA PRIMEIRA TEMPORADA A PARTIR DESTE PONTO

Ela começa um pouco confusa, pelo final, com a cena que parece ser um assassinato. Não sabemos de quem é, mas ao decorrer dos episódios sabemos que é Marina. Mas por que ela? Como?

Os episódios transcorrem com cenas no passado e no presente. No passado, no colégio e no presente, em uma sala de interrogação policial sobre o assassinato. Dado isso, vamos ao enredo: três alunos – Samuel, Nadia e Christian – de classe baixa, ganham uma bolsa de estudos no melhor colégio da Espanha. De lá saem os novos “donos do mundo”, e está repleto de alunos bem característicos com ego inflado, classe altíssima, filhos de marquesas, bilionários, CEOs e outros do gênero.

Obviamente, o trio tenta se misturar, mas os riquinhos não querem saber de “pobretões” no colégio. Parece um clichê, mas as teias vão se emaranhando cada vez mais e pra isso, preciso comentar sobre cada um dos personagens mais característicos pra comentar a série, a começar pelo Samuel, que de início, pareceu ser o principal mas eu quase morri nas cenas dele. MUITO CHATO. É daqueles personagens que dá vontade de gritar e falar ALÔ, ACORDA, PLANETA TERRA CHAMANDO! Seu irmão, Nano, acabou de sair da cadeia e ele vive com a mãe, alcoólatra, e trabalha como garçom em um lugar que coincidentemente os alunos do colégio costumam comer e por isso todo mundo sabe e o chama de “garçom”. Samuel se apaixona por Marina, que é irmã de Guzmán, filhos de um importante engenheiro que está metido até as calças nos escândalos de construção da cidade. Coincidentemente, esse engenheiro que paga as bolsas dos três alunos após o teto de sua escola antiga desabar sobre eles (a construção era dele).

Mas Marina gosta mesmo de Nano, irmão de Samuel, e fica mantendo os dois a banho e maria por algum tempo. Apesar de me irritar muito com ela ao longo da série, entendemos que ela não quer participar do mundo dos ricões. Ela quer apenas viver sua própria vida sem alguém a controlando, principalmente depois de ser contagiada pelo vírus do HIV aos 14 anos de idade.

Nadia é a segunda bolsista. Vem de uma família muçulmana muito tradicional e já vê sua cultura sendo desrespeitada no colégio quando é proibida de usar seu Hijab. Foi uma das cenas que mais amei na série inteira, quando a diretora a proíbe e ela enfrenta, dizendo que vê todos ostentando suas bolsas caras e relógios de marca. Se torna uma grande amiga de Guzmán, apesar do seu relacionamento não ser aprovado por seu pai, que após perder a filha mais velha “para o mundo”, mantém ela e seu irmão, Omar com regras pesadas. No entanto, Omar é homossexual e quer viver sua vida longe dos moldes do pai, e para isso, revende drogas para juntar dinheiro e nessa, conhece Ander, um dos melhores amigos de Guzmán, por quem se apaixona e precisa lutar para poder sequer dar um toque. Ander é filho da diretora do colégio Las Ensinas e, apesar de ter uma condição de vida confortável, também não está na nata da sociedade, como os outros.

Christian é o personagem mais irritante do mundo. Ele entra no colégio querendo manjar de tudo e fazer contatos para ascender socialmente. O digital influencer, como é chamado pejorativamente pelos colegas de turma, faz de tudo para conquistar seu lugar ao sol. Foi ele que apresentou Ander a Omar, durante uma compra. Se apaixona por Carla, filha de uma marquesa rica, que por sua vez, namora desde que se entende por gente com Polo, o outro melhor amigo de Guzmán e filho das duas maiores CEOs do universo editorial (sim, ele tem duas mães!), porém Polo é voyeur, o que significa que ele experimenta prazer sexual o próprio ato sexual praticado por outros, e ao se ver quase terminando o relacionamento com Carla, juntos decidem chamar Christian para apimentar as relações.

No meio de tudo isso, tem a Lu cujo papel ainda considero dispensável para a história, ainda mais fazendo essa análise. Ela aparece provocando Nadia, Guzmán, fazendo chantagens aqui e ali, mas sem uma função expressiva dentro da teia.

FINAL DOS SPOILERS AQUI

Com base nessas informações, toda a trama se desenvolve, com muito teor sexual, crimes e rebeldia, como seria normal para adolescentes de 16 anos. Não tem muita verossimilhança, pelo menos para mim que nunca estive inserido nos contextos sociais que a série retrata, mas ainda sim muito importante por sua representatividade em locais que jamais imaginaríamos encontrar.

Vai além de uma simples série adolescente e nos faz pensar como sociedade em vários aspectos de corrupção e que as pessoas são plurais até de formas que jamais conseguiríamos imaginar. A primeira temporada tem um final sem deixar muitas pontas, mas sempre com abertura para a segunda, que estou indo assistir agora.

11/09/19 por
Críticas de Cinema, Filmes

“Era uma vez em… Hollywood” e o fascínio de Tarantino pelo universo cinematográfico

Tarantino ama cinema – você sabe disso e eu também. O diretor já trabalhou como balconista de uma rede de locadora de filmes e pouco depois escreveu o roteiro de Cães de Aluguel (1992), filme que definiu o tom dos que viriam a seguir, nos deixando sedentos pelas cenas de sangue e roteiros com diálogos afiados, cheios de referência ao universo pop.

Grande fã de “western spaghetti” (sub gênero do western das décadas de 60 e 70, estrelados por astros – já em decadência – que tentavam alavancar suas carreiras internacionais com os filmes), não é coincidência que Tarantino tenha escolhido como título de seu novo filme “Era uma vez em… Hollywood”, prestando homenagem e declarando sua admiração ao diretor Sergio Leone, de “Era uma vez no Oeste” (1968) e “Era uma vez na América” (1984).

Na trama, temos a dupla de personagens principais Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) – ator de uma série de caubóis, já em decadência – e seu dublê, Cliff Booth (Brad Pitt), amigos que vivem uma espécie de bromance em Los Angeles. Na outra ponta da história temos os novos vizinhos de Dalton – e desta vez personagens que representam pessoas reais e conhecidas na indústria do cinema -, o casal formado pela atriz Sharon Tate (Margot Robbie atuando com incrível leveza) e o diretor polaco Roman Polanski (Rafal Zawierucha), que na época já vivia o prestígio pelo filme  “O bebê de Rosemary” (1968).

E como estamos falando em Los Angeles nestes anos, a história dos nossos personagens principais e da própria cidade se misturam com a figura e influência de Charles Manson . Se nomes como Charles Manson, Sharon Tate e Polanski são estranhos para você, vale dar um google antes de ver um filme. A história do filme também se mistura a do diretor, que adiciona elementos da sua infância, comos os cinemas que frequentou (Cinerama e Bruin), o carro que Cliff dirige é um Karmann Ghia, assim como o de seu pai e alguns elementos da casa de Rick são itens pessoais do Tarantino.

Temos belos enquadramentos e movimentos de câmera que ajudam a trazer ritmo para o longa – e marcam a longa parceria do diretor com Robert Richardson, diretor de fotografia que já trabalhou com Tarantino em filmes como Kill Bill, Bastardos Inglórios e Django Livre. Os últimos dois filmes citados, inclusive, aparecem reverenciados diversas vezes em “Era uma vez em… Hollywood”. A playlist também não deixa a desejar, com clássicos como “Mrs. Robinson” e “California Dreamin’”.

Entretanto, é notável a discrepância entre o número de falas da atriz Margot Robbie em relação aos seus colegas de cena Pitt e DiCaprio. Tanto que o assunto foi abordado durante sua exibição em Cannes, na qual Tarantino se irritou com o questionamento e declarou, “Não concordo”. Nada novo sob o sol quando se trata de Tarantino e as atrizes com quem trabalha.

Quem tem sede pelo “sangue tarantino” vai ter que ser paciente. As famosas cenas sanguinárias só aparecem lá pelo final do filme, quando já começa a se arrastar – e mesmo assim pode não satisfazer a tal sede do filme menos violento do diretor. Mas a tal grande cena mostra um Brad Pitt energético em suas cenas de ação. Já quem gosta dos diálogos característicos do diretor vai se satisfazer ao longo do filme.

No final de “Era uma vez em… Hollywood”, Tarantino dobra a realidade oferecendo uma alternativa mais otimista de um fato que realmente aconteceu – e aqui “traio” Tarantino que antes da exibição do filme deixou uma carta assinada pedindo que os jornalistas e críticos não dessem spoilers do filme. Sorry, Tarantino). Na vida real, a seita “La Familia”, liderada por Charles Manson foi a responsável por um massacre na residência Polanski-Tate, em 1969. Os membros mataram Tate – que estava grávida de oito meses, esperando o primeiro filho do casal – e mais quatro amigos da atriz. No filme, o grupo resolve invadir a casa de Rick Dalton e acaba se dando mal. No final feliz de Tarantino, Dalton acaba sendo chamado para frequentar a casa de Polanski pela própria atriz, após a invasão de sua casa.

Mas afinal de contas, é bom? O filme é um jogo de acerto e erros de um Tarantino que sempre tem ânsia de declarar seu amor ao cinema, tipo aqueles jovens hipsters que enchem o corpo de tatuagem com os filmes cult que amam. Mas esse é um Tarantino maduro que sabe imprimir a sua marca em tudo que faz. Não me satisfez como Cães de Aluguel, mas é um ótimo filme.

 

22/08/19 por
Críticas de Cinema, Filmes

Crítica: O Rei Leão (2019)

Dia 18, chegou aos cinemas O Rei Leão em sua tão esperada versão live action. Sendo muito criticado pela falta de inovação nas cenas que podem ser comparadas quadro a quadro com sua versão animada de 1994, O Rei Leão chegou para mostrar que nostalgia vende.

Um live action sem humanos e feito totalmente de animação, com exceção de uma cena, pode ser considerado um live action? Essa é a pergunta que não quer calar ao assistirmos um filme estrelado totalmente por animais tão reais que nos deixa na dúvida, tirando um pequeno detalhe: animais não falam.

Jon Favreau, diretor do filme, revelou em seu Instagram que a única cena verdadeira presente n’O Rei Leão é o trecho de abertura com a música Circle of life, quando vemos a savana africana. Fora isso, há 1490 planos renderizados criados por animadores e artistas de efeitos visuais.

Relembrando um pouco a história, O Rei Leão conta a trajetória do príncipe Simba que, após a morte de seu pai, se atormenta com a culpa, foge e não assume o trono. Porém, após seu tio ser coroado e levar o reino à fome e destruição, Simba volta, enfrenta o tio e assume seu lugar de direito. Alguém mais notou algo familiar nesse enredo? Sua percepção está muito boa se a peça Hamlet, de Shakespeare, lhe veio à cabeça.

Para quem não conhece a peça, Hamlet conta a história do príncipe homônimo que tem seu pai assassinado pelo tio, Cláudio, que casa com a rainha e assume o trono. Atormentado pelo fantasma do pai que cobra vingança, Hamlet mata o tio, vira rei e recupera a honra da família. Idêntico, não é?

Podemos ver o tio invejoso, Scar, a rainha Sarabi que fica sob o poder dele, o príncipe Simba que perde o trono e fica ouvindo a voz de seu pai: “Lembre-se de quem você é”, e o gran finale que culmina na morte do tio e a retomada do trono. Claro que tudo muito bem atenuado com músicas e comédia como só a Disney sabe fazer. Afinal, quem pode me dizer uma história da Disney que não começa em uma verdadeira tragédia e termina no mais lindo e radiante felizes para sempre?

Apesar de a animação de 94 e a versão live action serem praticamente iguais, a diminuição do fator atenuante na segunda fez muita diferença. O filme está mais sombrio e deixou bem claro que não veio para atrair novos fãs, mas sim, para alimentar a nostalgia das crianças dos anos 90 que hoje já são adultos. Alguns detalhes que sequer são citados na animação, ficaram bem evidentes agora, como a cicatriz do Scar que é resultado de seu duelo com Mufasa pelo trono.

A rejeição de Sarabi ao não querer ser a rainha de Scar, o que faz as outras leoas o rejeitarem também, é algo que não foi abordado na animação, porém, nessa nova versão, deixa claro que a rejeição é de cunho sexual. Timão não interrompe mais Pumba quando este canta a música sobre suas flatulências e não temos mais a musiquinha alegre de armadilha para as hienas porque, convenhamos, elas não são animais que ficariam esperando o fim de uma música para atacar.

Alguns detalhes, porém, são observados pelo nosso amadurecimento em sermos mais céticos e críticos ao assistirmos um filme, do que provavelmente éramos há 25 anos. Se só há um leão vivendo na pedra do rei, ou seja, o próprio rei, então quem é o pai dos outros filhotes? Claro que sabemos que são do próprio Mufasa, então, por que só o Simba é o herdeiro do trono? E, ao se casar com Nala, ele se casa com a própria irmã? Claro que sabemos também que nada disso importa no reino animal, porém, ao humanizarmos os personagens, somos levados a esse tipo de questionamento.

Outra pergunta que não quer calar é: como sustentar um animal que está no topo da cadeia alimentar somente com insetos? E como ele conseguiu ficar tão gordo e saudável assim? Ao pensarmos por esse lado, seria impossível também aceitar que um leão seria amigo de um porco. Enfim, só nos resta render-nos à magia do faz de conta e nos entregarmos como fizemos há 25 anos, quando a nossa maior preocupação era aprender as letras das músicas, viver o Hakuna Matata e torcer pelo final feliz já tão esperado.

O Rei Leão faturou US$ 531 milhões em seu final de semana de estréia, o que ultrapassa mais da metade de todo o faturamento da primeira versão. Porém, como, na China, o filme foi lançado 1 semana antes, podemos dizer que O Rei Leão estava há 10 dias em cartaz. Como uma das histórias mais clássicas da Disney que inspirou peças e musicais por todo o mundo, inclusive na Broadway, vamos ver se o old ainda é gold e se a versão live action vai desbancar o primeiro lugar em bilheterias de animações da Disney, que continua intacto com Frozen desde 2013.

 

27/07/19 por
Atualizações, Filmes

I know you love me: Confirmado o retorno da série Gossip Girl, pela HBO

Marco da cultura pop global, a série Gossip Girl ganhará continuação nas telas do futuro serviço de streming resultante da parceria entre a HBO e WarnerMedia, o HBO Max. Se passando 8 anos após os eventos que culminaram no fim da última temporada da série em 2012, a nova leva será composta por 10 episódios.

Em comunicado oficial, a HBO Max afirmou que os novos acontecimentos irão explorar o mundo das redes sociais e o quanto a cidade de Nova York mudou nos últimos anos. Ainda não foi informado se os personagens originais da trama estão inseridos nesta sobrevida do seriado – nem mesmo se em participações especiais. Ainda assim, a torcida por ver como andam Blair Waldorf (Leightoon Meester) e Serena VanDerWoodsen (Blake Lively) está tomando conta das redes sociais. O ator Chace Crawford, interprete de Nate falou sobre o retorno da série: “Foi uma grande parte da minha vida, estou aberto a qualquer coisa. Seria difícil juntar todo o elenco, por causa de suas programações, Penn, Leighton, Ed … Eles estão todos fazendo ótimos programas de TV.  Eu absolutamente gostaria de aparecer”, afirmou.

Importante reforçar que Penn Badgley (Dan) atualmente é o protagonista do sucesso “You”, da Netflix; Leighton Meester na comédia “Single Parents”, da ABC e Ed Westwick na divertida “White Gold” da BBC.

A sequência de Gossip Girl tem previsão de estrear em 2020, como falado, na HBO Max.

Impacto Cultural

Baseada em uma série de livros de mesmo nome, da escritora Cecily von Ziegesar, Gossip Girl foi um fenômeno cultural que ultrapassou as barreiras linguísticas e até a falta de distribuição legal em diversos países. Seu primeiro episódio foi ao ar pelo canal The CW em 19 de setembro de 2007 e se tornou a série jovem mais popular da década. O prefeito de Nova Iorque entre 2002 a 2012, Michael Bloomberg, proclamou o dia 26 de Janeiro como “O Dia Gossip Girl” na cidade, que a utilizava como cenário, e tendo impulsionado o turismo teen na Big Apple, além de contribuir direta e indiretamente com a criação de mais de 100 mil postos de empregos.

Gossip também influenciou diretamente na moda – os cachecóis usados pelo personagem Chuck Bass se esgotavam em lojas online logo após os episódios irem ao ar, assim como clássicos arquinhos de Blair Waldorf.  “É sem dúvidas uma das maiores influências jovens já existentes. Os fãs correm para boutiques com fotos e capas de revista que tragam o elenco da série e pedem exatamente os mesmos modelos”. Afirmou o jornal The New York Times em 8 de julho de 2008.

Por fim, Gossip Girl foi determinante na popularização da comunicação mobile – foi a primeira vez em que jovens e adolescentes se viram conectados com a tela. Antes mesmo da popularização de plataformas como Twitter ou Mensageiros Instantâneos, a troca de mensagens via SMS e acesso em sites online eram comuns no ambiente do Upper East Side, provando que o seriado estava sempre a frente de seu tempo.

18/07/19 por
Críticas de Cinema, Filmes

Crítica: Inocência Roubada (2019)

Chega hoje (11) aos cinemas o filme Inocência Roubada, de Andréa Bescond e Eric Métayer. Depois de ser exibido em Canes e no Festival Varillux do cinema francês, Inocência Roubada chega para contar a história da dançarina, atriz e diretora Andréa (sim, é uma história autobiográfica e estrelada por ela), chamada no filme como Odette. O tema é abuso infantil no âmbito familiar, mais precisamente, por um amigo da família. Usando o recurso de narrador em primeira pessoa junto com flashbacks do passado, Odette (Andréa Bescond) vai contando sua história para a terapeuta e, ao mesmo tempo, para os telespectadores do filme.

Originalmente lançado como uma peça de teatro estrelada por Andréa e dirigida por Eric, Inocência Roubada pode ser visto como uma catarse da dançarina que foi abusada na infância por um amigo próximo de seus pais. Durante o filme, vemos a pequena Odette, uma bailarina muito talentosa, sofrer calada e sozinha ao não conseguir ver nos pais uma fonte de confiança e proteção. Há um tato muito grande do filme em não mostrar as cenas explícitas, mas o desconforto é inevitável a cada porta que se fecha e silêncio que se instaura. Não há gritos, nem efeitos sonoros frequentemente usados para alertar o telespectador sobre uma cena mais forte, só o silêncio. Um silêncio incômodo, indigesto, perturbador.

Odette segue na carreira de bailarina, cresce e se torna uma usuária de drogas que não respeita seu próprio corpo nem a si mesma como pessoa. Sua família continua sendo amiga da família do molestador, a vida segue, mas a dor não passa. Até que, ao procurar uma terapeuta para falar sobre isso pela primeira vez, tudo começa a vir a tona. As cenas do passado vão passando misturadas com o presente e até com algumas fantasias da bailarina de como ela gostaria que sua vida tivesse sido. Vemos na tela a confusão que se passa dentro da cabeça de uma pessoa e que os acontecimentos não são tão lineares como os filmes gostam de nos fazer acreditar. O pensamento vem, vai, divaga… Anos se passam até que a coragem necessária seja reunida para finalmente expor o crime e começar a cura.

Infelizmente, o abuso infantil é uma realidade mundial que não é combatida com tanto esmero quanto deveria. As denúncias não são feitas e, quando são, a justiça não age como deveria. O peso do estigma ainda é mais pesado do que a dor que corrói e destrói toda uma vida, todo um futuro que aquela criança poderia ter. E, pasmem, ainda há muitos pais que não acreditam na palavra dos seus filhos. Vemos isso na história de Andréa.

Quando Odette finalmente teve coragem de contar para os pais o que havia acontecido durante toda a sua infância, sua mãe duvidou. Mesmo sendo uma mulher adulta contando, ainda houve dúvida. É interessante observar a atitude da mãe de Odette que, durante todo o tempo, mesmo depois que parece acreditar no acontecido, tenta diminuir a importância como se não tivesse sido algo tão ruim. Afinal, foram só alguns dedos. A mãe coloca como se Odette estivesse destruindo toda uma família, como se o ato de falar e contaminar a todos com sua desgraça fosse uma atitude egoísta. Ela deveria permanecer calada e sofrer seus problemas sozinha.

Não há um grande ápice ou um final realmente feliz, já que nada que fosse feito poderia apagar aquele passado terrível. Mas, testemunhamos o início da cura interior de Odette, sua reação em realmente querer viver e superar tudo aquilo. No final, ainda aparecem alguns dados sobre abuso infantil e um alerta sobre a importância de ouvir seus filhos, prestar atenção neles e denunciar qualquer ato suspeito. Inocência Roubada é um filme de utilidade pública porque mostra que ninguém está acima de qualquer suspeita e como é importante ser mais próximo dos filhos e ficar atento aos detalhes. Ouça seu filho, seu sobrinho, seu aluno. Ouça, acredite e ajude.

11/07/19 por
Atualizações, Críticas de Cinema

Crítica: Homem-Aranha: Longe de Casa (2019)

Dando sequência aos acontecimentos presentes em Vingadores: Ultimato, o Universo Cinematográfico Marvel dá prosseguimento a sua linha do tempo em Homem-Aranha: Longe de Casa, dessa vez, levando Peter Parker (Tom Holland) bem longe de sua vizinhança. Lidando com o luto pela morte de Tony Stark, Peter lida com o peso de ser visto como substituto do Homem de Ferro e começa a sentir as dificuldades que a vida de um super-herói em tempo integral pode trazer. De forma leve – e cômica em alguns pontos – o filme demonstra como a população mundial reagiu após a volta daqueles que haviam sido apagados pelo “blip” de Thanos.

Em um contexto geral, Homem-Aranha: Longe de Casa consegue demonstrar muito bem a evolução e amadurecimento de Peter, porém, sem esquecer que até mesmo pela idade do personagem (16 anos), tais mudanças vêm acarretadas de negações, pontos altos e descidas. Veja bem, você pode evoluir o seu psicológico e achar que chegou ao patamar de adulto responsável, mas, eventualmente irá ser ingênuo e cair em alguma armadilha por não ter a bagagem que a “vida adulta” exige. E este é o ponto alto do filme, quando podemos notar claramente os dilemas que o amigo da vizinhança passa aqui. A negação em se tornar um super-herói e querer se manter como um adolescente comum, até o momento em que aceita sua função e em um momento de desespero, confia na pessoa errada.

A chegada de um novo super-herói, Quetin Beck/Mysterio (Jake Gyllenhaal) – diretamente dos quadrinhos – mexe diretamente com as expectativas de Peter, que imagina ter um novo amigo ou mentor. A falta de crença em si mesmo faz inclusive que Parker tenha a esperança de poder transferir toda a sua responsabilidade para o recém-chegado, que é o ato bem ingênuo que falamos anteriormente. Importante dizer aqui, que as cenas de lutas e combates que Mysterio e Homem-Aranha travam juntos, combatendo “novas ameaças” são bem surpreendentes – achei inclusive melhor que muitos outros filmes do Universo Marvel.

Enquanto isso, os avanços entre Peter e MJ (Zendaya) são muito bem trabalhados. A moça inclusive parece estar ainda mais ácida neste filme, o que é excelente pois parece se equilibrar com todo o lado “fofo” de seu parceiro.

Homem-Aranha: Longe de Casa se mostra muito superior e mais interessante que o seu antecessor, De Volta ao Lar. Mas, infelizmente, preciso dizer que as melhores cenas deste filme estão em suas duas cenas pós-créditos. Acredite, elas vão fazer que a gente aguarde ansiosamente pelo terceiro filme da franquia.

03/07/19 por